El holocausto es a la vez, un hecho que quiere olvidarse pero al mismo tiempo es un hecho que reclama memoria. Gunter Grass se refiere en su ensayo "Escribir despues de Auschwitz" a esta paradoja. Por una parte el escritor fue parte de aquel periodo destructor, encontrando como primera vía para canalizar dicha experiencia, el arte, específicamente la escultura, y luego, la poesia y la escritura de novelas.
Afirma que después de las famosas palabras que Adorno dijera las cuales se referían a que la poesía no tenía cabida después de Auschwitz, su respuesta fue precisamente la resistencia como medio para no caer en este silencio.
En su larga carrera como novelista comenta que escribir después de lo ocurrido no es algo que sea solícito,en sus palabras, el pasado proyecta sus sombras y se da lo que él mismo denomina como "pasapresenfuturo". Su definición de un escritor es alguien que escribe contra el tiempo que pasa. Además, considera que aunque el tema parezca que rebasa los límites del ser humano, algo que todavía no se ha expresado debe decirse.
Pilar Calveiro en el libro "Memoria y escritura" del 2008, nos dice que entre la memoria y el olvido existe una relación compleja que elude precisiones. No puede circunscribirse a fórmulas sencillas-y mucho menos a la simplificación de las relaciones proporcionales como:a más memoria, menos olvido. Por el contrario, entre estos términos se establecen numerosas relaciones, diversas y casi siempre únicas, que exceden lo cuantitativo y lo complementario. La intención de este blog es alentar una discusión sobre esta relación y sobre el arte como archivo, en tanto su tema es la memoria, el silencio y el olvido.
martes, 11 de octubre de 2011
El arte como archivo
Lo que se ha denominado "el arte como archivo" tiene como primeros referentes a artistas como Walter Benjamin y August Sander, tal como lo analiza Ana María Guash.
Marita Sturken fue quien utilizó el término "el arte como archivo" en su texto "Reclaiming the Archive, Art, Technology, and culture memory".
El proyecto Arcade, archivo inacabado Walter Benjamin, es un archivo en el que hay 36 categorías fotográficas que tocan distintos temas de París, estas categorías son muy diversas puediéndose encontrar títulos como "Publicidad", "Teoria del progreso", "ciudad de sueño" que trataban de capturar la transformación de una ciudad, sus personajes y actividades. Este proyecto también está compuesto de fragmentos literarios, que conformarían un posterior ensayo o reflexion. En relación con la fotografía, los fragmentos tratan de hacer un recuento histórico de la fotografía y pasan por el análisis de la genealogía del fotomontaje.
El otro artista referente es August Sander, quien a través de su proyecto "Ciudadanos del siglo XX" retrata los diferentes personajes que considera forman estos ciudadanos, en grupos, es decir, los cientificos, los artistas, los agricultores, entre otros.
Respecto al arte como archivo, es posible hacer varias preguntas pues es un hacer que no tiene fronteras definidas, el primer problema del cuál se generan varias preguntas sería el de una tendencia que está entre el documento histórico y el trabajo artístico. Su caracter artístico se entiende así en tanto los artistas lo denominaron como tal.
Si ampliamos la reflexión sobre estas fronteras, nos encontramos con muchos otros trabajos que en principio tuvieron una intención como archivo histórico pero que pueden tener una cualidad estética. Éste tipo de trabajos que podrían ser los registros de muchos antropólogos, historiadores o sociólogos resulta problemático. De hecho esto ha ocurrido, el caso de muchas fotografías que se tomaron como documento histórico pero que luego se clasifican por críticos de arte o por los mismos fotógrafos como fotografías artísticas porque tienen un tratamiento poético por ejemplo en el manejo de la luz, el encuadre, las expresiones de los personajes, las sensaciones que trasmiten los paisajes como sería el caso de lo que se denominó el movimiento de la fotografía subjetiva en Alemania de la posguerra. En principio, muchas fotografías sólo cumplian su papel como documento histórico de los destrozos de la guerra, pero también contenían tal tratamiento poético o artístico, subjetivo, como lo denominarían los integrantes de tal movimiento.
Y al contrario, muchas fotografías que se hacen con una intención estética y artística sirven luego de documento histórico como sería el caso de Walter Reuter o Mariana Yampolsky.
Para resumir esto en una pregunta general, me refiero a si ¿existe una línea clara entre historia y arte, cuando nos referimos al arte como archivo?
Mi respuesta es que esta línea está desdibujándose cada vez más. Llegamos pues a una discusión clásica en la historiografía, la de la verdad histórica y las múltiples interpretaciones de un hecho. el solo hecho de documentar algo involucra ya una cierta interpretación.
Ahora bien, en esas múltiples interpretaciones, no podríamos negar que la subjetividad de quien registra por cualquier medio un acontecimiento estaría en el reportero gráfico, el historiador y el fotógrafo de arte. En tales casos no sería equivocado afirmar que el archivo tiene un doble objetivo, el de ser parte de un documento histórico y de una pieza artística.
Marita Sturken fue quien utilizó el término "el arte como archivo" en su texto "Reclaiming the Archive, Art, Technology, and culture memory".
El proyecto Arcade, archivo inacabado Walter Benjamin, es un archivo en el que hay 36 categorías fotográficas que tocan distintos temas de París, estas categorías son muy diversas puediéndose encontrar títulos como "Publicidad", "Teoria del progreso", "ciudad de sueño" que trataban de capturar la transformación de una ciudad, sus personajes y actividades. Este proyecto también está compuesto de fragmentos literarios, que conformarían un posterior ensayo o reflexion. En relación con la fotografía, los fragmentos tratan de hacer un recuento histórico de la fotografía y pasan por el análisis de la genealogía del fotomontaje.
El otro artista referente es August Sander, quien a través de su proyecto "Ciudadanos del siglo XX" retrata los diferentes personajes que considera forman estos ciudadanos, en grupos, es decir, los cientificos, los artistas, los agricultores, entre otros.
Respecto al arte como archivo, es posible hacer varias preguntas pues es un hacer que no tiene fronteras definidas, el primer problema del cuál se generan varias preguntas sería el de una tendencia que está entre el documento histórico y el trabajo artístico. Su caracter artístico se entiende así en tanto los artistas lo denominaron como tal.
Si ampliamos la reflexión sobre estas fronteras, nos encontramos con muchos otros trabajos que en principio tuvieron una intención como archivo histórico pero que pueden tener una cualidad estética. Éste tipo de trabajos que podrían ser los registros de muchos antropólogos, historiadores o sociólogos resulta problemático. De hecho esto ha ocurrido, el caso de muchas fotografías que se tomaron como documento histórico pero que luego se clasifican por críticos de arte o por los mismos fotógrafos como fotografías artísticas porque tienen un tratamiento poético por ejemplo en el manejo de la luz, el encuadre, las expresiones de los personajes, las sensaciones que trasmiten los paisajes como sería el caso de lo que se denominó el movimiento de la fotografía subjetiva en Alemania de la posguerra. En principio, muchas fotografías sólo cumplian su papel como documento histórico de los destrozos de la guerra, pero también contenían tal tratamiento poético o artístico, subjetivo, como lo denominarían los integrantes de tal movimiento.
Y al contrario, muchas fotografías que se hacen con una intención estética y artística sirven luego de documento histórico como sería el caso de Walter Reuter o Mariana Yampolsky.
Para resumir esto en una pregunta general, me refiero a si ¿existe una línea clara entre historia y arte, cuando nos referimos al arte como archivo?
Mi respuesta es que esta línea está desdibujándose cada vez más. Llegamos pues a una discusión clásica en la historiografía, la de la verdad histórica y las múltiples interpretaciones de un hecho. el solo hecho de documentar algo involucra ya una cierta interpretación.
Ahora bien, en esas múltiples interpretaciones, no podríamos negar que la subjetividad de quien registra por cualquier medio un acontecimiento estaría en el reportero gráfico, el historiador y el fotógrafo de arte. En tales casos no sería equivocado afirmar que el archivo tiene un doble objetivo, el de ser parte de un documento histórico y de una pieza artística.
lunes, 15 de agosto de 2011
sábado, 23 de julio de 2011
Atlas Mnemosyne
Aby Warburg marcó un hito en la forma como se entiende el análisis de la imagen. Su pieza Atlas Mnemosyne es un archivo de imágenes mezcladas de obras de todos los tiempos, que tiene un objetivo didáctico. En diferentes páneles se organiza cada collage de imágenes de diferentes épocas, artistas y formatos artísticos que aparentemente no tienen mucha relación. Esto supone un rompimiento con ciertas normas académicas para presentar el conocimiento, en el sentido de conocimiento enciclopédico que ordenaba objetos recurriendo a un orden cronológico, corriente arstísticas, países, áres del conocimiento.
La idea es activar procesos mnemotécnicos al agrupar las imagenes por ciertas relaciones de motivos recurrentes en los temas.
Rompiendo con una forma tradicional de enseñanza, él reunía obras pertenecientes a la escultura, la pintura, el grabado buscando relaciones que dificilmente se encontrarían si el análisis se hiciera sobre las obras de una técnica sólamente. En este sentido, Warburg cambia la forma de ordenar el archivo, reinterpreta el término "archivo" para abrir un camino a la tendencia que hace referencia al arte como archivo.
De esta manera su arreglo cumple la función didactica, pero por otro lado, es un arreglo estético del conjunto de piezas mezcladas, lo cual conforma la pieza de arte.
Los alcances no se quedan en la mera estética sino que cuestionan los paradigmas de la enseñanza de las artes y cumplen esta doble función, en tanto objeto de arte y en tanto material de enseñanza.
La idea es activar procesos mnemotécnicos al agrupar las imagenes por ciertas relaciones de motivos recurrentes en los temas.
Rompiendo con una forma tradicional de enseñanza, él reunía obras pertenecientes a la escultura, la pintura, el grabado buscando relaciones que dificilmente se encontrarían si el análisis se hiciera sobre las obras de una técnica sólamente. En este sentido, Warburg cambia la forma de ordenar el archivo, reinterpreta el término "archivo" para abrir un camino a la tendencia que hace referencia al arte como archivo.
De esta manera su arreglo cumple la función didactica, pero por otro lado, es un arreglo estético del conjunto de piezas mezcladas, lo cual conforma la pieza de arte.
Los alcances no se quedan en la mera estética sino que cuestionan los paradigmas de la enseñanza de las artes y cumplen esta doble función, en tanto objeto de arte y en tanto material de enseñanza.
Rogelio sosa
La exposición colectiva REVOLUCION ES se llevó a cabo en el Laboratorio Arte Alameda del 26 de noviembre de 2010 al 27 de febrero de 2011 con motivo del año de la revolución mexicana. Cabe mencionar antes, que a esta exposición se invitó a participar a Helen Escobedo, pionera del arte contemporáneo en México, quizá una de las últimas obras que realizaría, y a otros artistas como Carlos Aguirre, Rogelio Sosa, Gerardo Suter, Marcos Ramírez, Erick Meyenberg, Amanda Gutierrez.
Quisiera referirme en este blog a una de las piezas realizadas, la del artista Rogelio Sosa. Al entrar a la espaciosa nave central del este museo que antes fuera una capilla, uno se encuentra con dos estructuras pendulares, uno de un lado de la nave, otro del otro lado, de manera que uno se puede ubicar en el centro y ver a uno y otro lado sendas estructuras metálicas que en lugar de una figura de péndulo, ingeniosamente portan una bocina. El movimiento de las estructuras pendulares es controlado por un dispositivo digital.
Las bocinas reproducen extractos procesados de grabaciones de discursos presidenciales. Nuestra idea de una bocina es la de un objeto fijo en un lugar determinado, nunca una bocina que va y viene. La descontextualización que logra del objeto común nos lleva a una reacción que fascina por el ingenio tecnológico pero que también se refiere a una nueva forma de relacionar el sonido y el espacio.
La sensación al entrar en contacto con la pieza es que cuando el sonido se acerca se alcanza a escuchar algún fragmento de palabras que luego se alejan, creando por sí mismo un juego interesante con el espacio y el sonido. Es un juego entre la memoria que trae y el olvido que aleja, el vaiven entre estos dos polos de la compleja relación con los hechos, con las palabras, con el pasado.
Otra sensación es que el escuchar lo que los mandatarios afirman, como puede ser promesas o cosas que han llegado a su fin en el país, tiene definitivamente otra lectura bajo el influjo de esta pieza artística potente. Cuando por ejemplo, la bocina se aleja, se difumina la fuerza de aquellas palabras, aquellas promesas o aquellas sentencias de cambio, en un espacio vacío, hueco, como lo son aquellos discursos.
a qué le llaman investigar en el arte
En este breve ensayo se tratarán tres aspectos a través de plantear tres preguntas, la primera sería ¿Qué es un trabajo de tesis?, ¿Qué es un proyecto de investigación? y ¿Cuáles son las metodología de investigación aplicadas a las artes?.
Un trabajo de tesis es un proceso de investigación que utiliza metodologías teóricas para comprender un problema y pretende dar soluciones o alternativas de análisis.
El tema debe contener al menos tres aspectos: originalidad. Trascendencia. Actualidad.
Es importante anotar que a diferencia de una tesis de licenciatura, la tesis de posgrado debe buscar el nivel de análisis, explicación o predicción.
La investigación es un proceso con etapas de reflexión recurrente, en el que se vuelve a puntos anteriores de reflexión pero luego de lo cual se avanza mucho más. En este sentido, lo más importante es tener un objeto de estudio bien definido lo cual permitirá enfocarse permanentemente sin divagar, por tanto, habrá un proceso de interrogación constante al objeto de estudio.
Un esquema general de los capítulos del cuerpo de la tesis de maestría en el área de Artes debería contener los siguientes capítulos en los cuales, no se pretende ser exhaustivo sino crítico, propositivo, concreto:
CAPITULO 1 El contexto. Marco histórico y/o referencial.
Referencias que ubican en lo espacio temporal la investigación.
Qué referencias existen.
Antecedentes.
De qué manera se ha abordado el tema.
Qué artistas o autores han realizado lo mismo o similar (en obra o análisis).
CAPITULO II. Los conceptos. Marco teórico o conceptual.
Los conceptos que serán útiles para explicar el asunto o tema.
Qué teorías de arte están involucradas.
Qué conceptos están relacionados con el tema.
De qué manera estos conceptos o teorías se relacionan con la obra propuesta.
Cómo es que estos conceptos o teorías sirven para construir un discurso de apoyo a la obra.
CAPITULO III. Análisis de obra propia o ajena.
Selección de imágenes o serie sobre la obra a analizar.
Recopilación de datos del proceso creativo de la obra a analizar. Reconstrucción.
Análisis de la obra a partir de los antecedentes.
El segundo aspecto sería, el proyecto de investigación. En pocas palabras un proyecto de investigación consiste en un plan en el que se detallan todas las partes de una investigación, a saber, título, hipótesis, objetivos, antecedentes del problema, alcances, aportes, bibliografía. Este plan debe tener como característica principal ser claro en todas sus partes y concreto, lo cual indicaría que se tiene claridad sobre lo que se quiere hacer.
El tercer aspecto a discutir brevemente es sobre las metodología de investigación aplicadas a las artes.
Las metodologías de investigación aplicadas a las artes se refieren a una serie de estrategias aplicadas de manera sistemática, con las que podemos avanzar en un proceso de análisis teórico o de una obra de arte.
Un artista que se convierte en un prototipo en cuanto a metodologías de investigación podría ser el caso de Leonardo Da Vinci, quien consideraba el proceso de producción artística como un proceso de experimentación, de investigación, en el cual había un plan para llevar a cabo una idea, lo cual se apoyaba en otras áreas del conocimiento como la anatomía, por ejemplo, para llegar a comprobar en los resultados ciertas premisas sobre aspectos del cuerpo humano aplicados al desarrollo de artefactos artísticos.
Con este fin, las metodologías de investigación involucran otros campos del conocimiento, como podría ser en el arte urbano el apoyo de metodologías de otros campos del conocimiento como sería la historiografía, la antropología, la sociología, que devienen al trabajo del artista para lograr una investigación sólida que de como resultado un trabajo de campo y del lugar o espacio escogido de manera rigurosa, lo cual se une a la salida plástica que se elige como medio para la producción artística.
Un aspecto muy importante es el proceso creativo que involucra aunque muchos no lo consideren, investigación sobre otros artistas y el tratamiento que han dado a un tema. En este sentido es evidente en la obra de grandes artistas el trabajo de investigación y recopilación de información sobre obras hechas alrededor del mismo tema o importando la época, mucho de esta revisión se puede remontar a tiempos prehistóricos incluso, para encontrar simbologías, representaciones que sirven al objeto de estudio actual.
Dentro de estas metodologías podríamos involucrar las siguientes estrategias:
Fichas y registros de cada libro o artículo revisado.
Archivo de entrevistas en línea o presenciales.
Bocetos y realizar una bitácora.
Libro de anotaciones sobre el proyecto.
Registro fotográfico, sonoro, audiovisual, entre otros para apoyar la investigación.
Pruebas de composición, fotografías procesuales.
Libro de comentarios de la obra.
Mapa o ruta conceptual.
Un trabajo de tesis es un proceso de investigación que utiliza metodologías teóricas para comprender un problema y pretende dar soluciones o alternativas de análisis.
El tema debe contener al menos tres aspectos: originalidad. Trascendencia. Actualidad.
Es importante anotar que a diferencia de una tesis de licenciatura, la tesis de posgrado debe buscar el nivel de análisis, explicación o predicción.
La investigación es un proceso con etapas de reflexión recurrente, en el que se vuelve a puntos anteriores de reflexión pero luego de lo cual se avanza mucho más. En este sentido, lo más importante es tener un objeto de estudio bien definido lo cual permitirá enfocarse permanentemente sin divagar, por tanto, habrá un proceso de interrogación constante al objeto de estudio.
Un esquema general de los capítulos del cuerpo de la tesis de maestría en el área de Artes debería contener los siguientes capítulos en los cuales, no se pretende ser exhaustivo sino crítico, propositivo, concreto:
CAPITULO 1 El contexto. Marco histórico y/o referencial.
Referencias que ubican en lo espacio temporal la investigación.
Qué referencias existen.
Antecedentes.
De qué manera se ha abordado el tema.
Qué artistas o autores han realizado lo mismo o similar (en obra o análisis).
CAPITULO II. Los conceptos. Marco teórico o conceptual.
Los conceptos que serán útiles para explicar el asunto o tema.
Qué teorías de arte están involucradas.
Qué conceptos están relacionados con el tema.
De qué manera estos conceptos o teorías se relacionan con la obra propuesta.
Cómo es que estos conceptos o teorías sirven para construir un discurso de apoyo a la obra.
CAPITULO III. Análisis de obra propia o ajena.
Selección de imágenes o serie sobre la obra a analizar.
Recopilación de datos del proceso creativo de la obra a analizar. Reconstrucción.
Análisis de la obra a partir de los antecedentes.
El segundo aspecto sería, el proyecto de investigación. En pocas palabras un proyecto de investigación consiste en un plan en el que se detallan todas las partes de una investigación, a saber, título, hipótesis, objetivos, antecedentes del problema, alcances, aportes, bibliografía. Este plan debe tener como característica principal ser claro en todas sus partes y concreto, lo cual indicaría que se tiene claridad sobre lo que se quiere hacer.
El tercer aspecto a discutir brevemente es sobre las metodología de investigación aplicadas a las artes.
Las metodologías de investigación aplicadas a las artes se refieren a una serie de estrategias aplicadas de manera sistemática, con las que podemos avanzar en un proceso de análisis teórico o de una obra de arte.
Un artista que se convierte en un prototipo en cuanto a metodologías de investigación podría ser el caso de Leonardo Da Vinci, quien consideraba el proceso de producción artística como un proceso de experimentación, de investigación, en el cual había un plan para llevar a cabo una idea, lo cual se apoyaba en otras áreas del conocimiento como la anatomía, por ejemplo, para llegar a comprobar en los resultados ciertas premisas sobre aspectos del cuerpo humano aplicados al desarrollo de artefactos artísticos.
Con este fin, las metodologías de investigación involucran otros campos del conocimiento, como podría ser en el arte urbano el apoyo de metodologías de otros campos del conocimiento como sería la historiografía, la antropología, la sociología, que devienen al trabajo del artista para lograr una investigación sólida que de como resultado un trabajo de campo y del lugar o espacio escogido de manera rigurosa, lo cual se une a la salida plástica que se elige como medio para la producción artística.
Un aspecto muy importante es el proceso creativo que involucra aunque muchos no lo consideren, investigación sobre otros artistas y el tratamiento que han dado a un tema. En este sentido es evidente en la obra de grandes artistas el trabajo de investigación y recopilación de información sobre obras hechas alrededor del mismo tema o importando la época, mucho de esta revisión se puede remontar a tiempos prehistóricos incluso, para encontrar simbologías, representaciones que sirven al objeto de estudio actual.
Dentro de estas metodologías podríamos involucrar las siguientes estrategias:
Fichas y registros de cada libro o artículo revisado.
Archivo de entrevistas en línea o presenciales.
Bocetos y realizar una bitácora.
Libro de anotaciones sobre el proyecto.
Registro fotográfico, sonoro, audiovisual, entre otros para apoyar la investigación.
Pruebas de composición, fotografías procesuales.
Libro de comentarios de la obra.
Mapa o ruta conceptual.
miércoles, 1 de junio de 2011
La obra de Rirkrit Tiravanija
Por: Mónica Márquez
21 de mayo de 2011
Ante una estética que ha sido dominada por la escena occidental, la aportación de artistas orientales resulta enriquecedora al producir obras que no están constituidas bajo los códigos de occidente en las cuales subyace un lenguaje estético que derivan en obras y piezas con ciertas características o guiños que son fácilmente identificables. En sus instalaciones Tiravanija propone espacios novedosos, decoraciones del lugar inusuales, para proponer otro sentido de la instalación en el mundo del arte.
En su obra “open house”, Tiravanija realiza una instalación en la que coloca todo lo que en una cocina oriental se usa, desde las pipetas de gas, hasta los platos, palillos, mesitas y todo dentro de un espacio, sin embargo, la atmósfera está desorientalizada, siendo un elemento importante la producción y consumo en serie, el consumo masivo, el capitalismo, como icono occidental. La obra pone en evidencia este momento actual en el que aun no desparecen los rituales orientales, más sin embargo, lo occidental permea lo suficiente como para no identificar las fronteras entre los códigos de una y otra cultura.
En su obra “house with coffee”, la casa inclinada, el artista invita a tomar un café dentro del lugar que no tiene una base horizontal, sino que está inclinada dando una sensación diferente de lo que es el espacio y la manera como lo concebimos, pero a partir de este hecho, quienes entran interactuan a partir de compartir la sorpresa del lugar, que se convierte un sitio para una conviviencia nueva.
Una obra que resulta bastante diferente en su materialización pero que conceptualmente encierra los mismos lineamientos sería la “ house that built cat.”. En su instalación, las ratas como si fueran los perseguidos se camuflan bajo una atmósfera en la que lo occidental como el ejército, alterna con objetos de una casa oriental. En un lugar habitado por diferentes espacios con fotografías, y motivos de militares y ratas por todos lados.
Su instalación “a long march” de camisetas en Málaga, en la que cada visitante se lleva una camisa, propone una dinámica de obra diferente, en la que la idea es que la obra vaya desapareciendo y los participantes se colocan una camisa que tiene leyendas referidas a la libertad.
La obra de este artista aborda varios intereses pero podríamos destacar dos aspectos. La primera se refiere a que en un mundo donde la influencia de occidente ha permeado los hábitos y comportamientos incluso de los orientales, resulta pertinente preguntarse cómo es que diferentes fusiones, conexiones y traslapes entre las dos culturas se van construyendo hasta producir una cultura oriental occidentalizada, o en una acepción menos fuerte, cómo lo oriental apropia ciertos aspectos de una cultura occidental invasora.
El trabajo de Rirkrit Tiravanija se propone entre uno de sus aspectos, visibilizar estas conexiones, fusiones, permeabilizaciones y traslapes a través de instalaciones, construcciones arquitectónicas o verdaderos happenings, en los cuales los que tienen la oportunidad de interactuar con la obra no solo son espectadores sino que toman el papel primordial de dar vida a la obra a partir de habitar, comer, entrar, salir, para producir una experiencia consciente de estas conexiones. Sus instalaciones cobren vida con los espectadores y la relación que entre ellos se genera. Esta relación se da a partir de habitar un espacio, o de compartir una situación en la que todos se ven obligados a interactuar con el otro.
Por último, es evidente la importancia del concepto de la libertad no solo en la expresión del artista, sino en el movimiento en las obras y las lecturas y relaciones que se producen.
21 de mayo de 2011
Ante una estética que ha sido dominada por la escena occidental, la aportación de artistas orientales resulta enriquecedora al producir obras que no están constituidas bajo los códigos de occidente en las cuales subyace un lenguaje estético que derivan en obras y piezas con ciertas características o guiños que son fácilmente identificables. En sus instalaciones Tiravanija propone espacios novedosos, decoraciones del lugar inusuales, para proponer otro sentido de la instalación en el mundo del arte.
En su obra “open house”, Tiravanija realiza una instalación en la que coloca todo lo que en una cocina oriental se usa, desde las pipetas de gas, hasta los platos, palillos, mesitas y todo dentro de un espacio, sin embargo, la atmósfera está desorientalizada, siendo un elemento importante la producción y consumo en serie, el consumo masivo, el capitalismo, como icono occidental. La obra pone en evidencia este momento actual en el que aun no desparecen los rituales orientales, más sin embargo, lo occidental permea lo suficiente como para no identificar las fronteras entre los códigos de una y otra cultura.
En su obra “house with coffee”, la casa inclinada, el artista invita a tomar un café dentro del lugar que no tiene una base horizontal, sino que está inclinada dando una sensación diferente de lo que es el espacio y la manera como lo concebimos, pero a partir de este hecho, quienes entran interactuan a partir de compartir la sorpresa del lugar, que se convierte un sitio para una conviviencia nueva.
Una obra que resulta bastante diferente en su materialización pero que conceptualmente encierra los mismos lineamientos sería la “ house that built cat.”. En su instalación, las ratas como si fueran los perseguidos se camuflan bajo una atmósfera en la que lo occidental como el ejército, alterna con objetos de una casa oriental. En un lugar habitado por diferentes espacios con fotografías, y motivos de militares y ratas por todos lados.
Su instalación “a long march” de camisetas en Málaga, en la que cada visitante se lleva una camisa, propone una dinámica de obra diferente, en la que la idea es que la obra vaya desapareciendo y los participantes se colocan una camisa que tiene leyendas referidas a la libertad.
La obra de este artista aborda varios intereses pero podríamos destacar dos aspectos. La primera se refiere a que en un mundo donde la influencia de occidente ha permeado los hábitos y comportamientos incluso de los orientales, resulta pertinente preguntarse cómo es que diferentes fusiones, conexiones y traslapes entre las dos culturas se van construyendo hasta producir una cultura oriental occidentalizada, o en una acepción menos fuerte, cómo lo oriental apropia ciertos aspectos de una cultura occidental invasora.
El trabajo de Rirkrit Tiravanija se propone entre uno de sus aspectos, visibilizar estas conexiones, fusiones, permeabilizaciones y traslapes a través de instalaciones, construcciones arquitectónicas o verdaderos happenings, en los cuales los que tienen la oportunidad de interactuar con la obra no solo son espectadores sino que toman el papel primordial de dar vida a la obra a partir de habitar, comer, entrar, salir, para producir una experiencia consciente de estas conexiones. Sus instalaciones cobren vida con los espectadores y la relación que entre ellos se genera. Esta relación se da a partir de habitar un espacio, o de compartir una situación en la que todos se ven obligados a interactuar con el otro.
Por último, es evidente la importancia del concepto de la libertad no solo en la expresión del artista, sino en el movimiento en las obras y las lecturas y relaciones que se producen.
domingo, 8 de mayo de 2011
Hokusai y la búsqueda del artista
Si un artista pudiera ejemplificar un rasgo distintivo entre el arte occidental y el arte oriental ese sería para mí Hokusai, nacido en 1760 y famoso luego de su muerte por su pintura conocida comunmente como "La gran ola".
Hokusai fue un artista que no descansó en una búsqueda geunina de artista, interesado en develar la esencia subyacente en la naturaleza y cuyo trabajo partía de una contemplación profunda de las cosas. Sin duda su obra ha sido interpretada como una influencia importante para algunos impresionistas como Monet, Van gogh, y sobre las tendencias del siglo XX como el pop art y el graffitti.
A los 70 años de edad, Hokusai sufrió una gran crisis tras la muerte de su esposa, y las situaciones de su nieto, quedando en la ruina sin dónde dormir ni comer, así que buscó por un tiempo refugio en templos. Según el artista, hasta este momento no había conseguido hacer nada que valiera la pena.
[...] a la edad de cinco años tenía la manía de hacer trazos de las cosas. A la edad de 50 había producido un gran número de dibujos, con todo, ninguno tenía un verdadero mérito hasta la edad de 70 años. A los 73 finalmente aprendí algo sobre la verdadera forma de las cosas, pájaros, animales, insectos, peces, las hierbas o los árboles. Por lo tanto a la edad de 80 años habré hecho un cierto progreso, a los 90 habré penetrado más en la esencia del arte. A los 100 habré llegado finalmente a un nivel excepcional y a los 110, cada punto y cada línea de mis dibujos, poseerán vida propia [...]
Tras esta depresión, admirablemente el artista decide retomar sus pinturas y lo hace de manera incansable como siempre, y es en este periodo en el que concibe su obra más profunda, "la gran ola de Kanagawa", como parte de una serie de 36 piezas sobre el monte Fuji, y dibujos subsiguientes como "mujeres en la playa de Enoshima" en los que Hokusai quería encontrar la esencia de aquella manifestación de la naturaleza que quizá impresionó al artista por la capacidad de este elemento natural para representar diferentes conceptos de gran fuerza: una gran ola es algo efímero pero con una fuerza extraordinaria, es también el momento decisivo, es un momento donde se ha alcanzado una gran fuerza a partir de movimientos precedentes de olas más pequeñas, supone un momento de gran excitación, es la representación de la naturaleza como aquello vivo que tiene un ánima sugerido por una especie de garras al final de la ola.
misiglo.wordpress.com
Lo que demuestran todas estas interpretaciones, es la elección de un objeto de la naturaleza de manera acertada, tras una meditación de muchos años, representa toda una gama de sentimientos con una fuerza inusitada, tal es lo que el artista buscaba, develar la esencia subyacente en las cosas, aquella esencia que une a lo natural con el hombre, con su esencia misma.
Hokusai fue un artista que no descansó en una búsqueda geunina de artista, interesado en develar la esencia subyacente en la naturaleza y cuyo trabajo partía de una contemplación profunda de las cosas. Sin duda su obra ha sido interpretada como una influencia importante para algunos impresionistas como Monet, Van gogh, y sobre las tendencias del siglo XX como el pop art y el graffitti.
A los 70 años de edad, Hokusai sufrió una gran crisis tras la muerte de su esposa, y las situaciones de su nieto, quedando en la ruina sin dónde dormir ni comer, así que buscó por un tiempo refugio en templos. Según el artista, hasta este momento no había conseguido hacer nada que valiera la pena.
[...] a la edad de cinco años tenía la manía de hacer trazos de las cosas. A la edad de 50 había producido un gran número de dibujos, con todo, ninguno tenía un verdadero mérito hasta la edad de 70 años. A los 73 finalmente aprendí algo sobre la verdadera forma de las cosas, pájaros, animales, insectos, peces, las hierbas o los árboles. Por lo tanto a la edad de 80 años habré hecho un cierto progreso, a los 90 habré penetrado más en la esencia del arte. A los 100 habré llegado finalmente a un nivel excepcional y a los 110, cada punto y cada línea de mis dibujos, poseerán vida propia [...]
Tras esta depresión, admirablemente el artista decide retomar sus pinturas y lo hace de manera incansable como siempre, y es en este periodo en el que concibe su obra más profunda, "la gran ola de Kanagawa", como parte de una serie de 36 piezas sobre el monte Fuji, y dibujos subsiguientes como "mujeres en la playa de Enoshima" en los que Hokusai quería encontrar la esencia de aquella manifestación de la naturaleza que quizá impresionó al artista por la capacidad de este elemento natural para representar diferentes conceptos de gran fuerza: una gran ola es algo efímero pero con una fuerza extraordinaria, es también el momento decisivo, es un momento donde se ha alcanzado una gran fuerza a partir de movimientos precedentes de olas más pequeñas, supone un momento de gran excitación, es la representación de la naturaleza como aquello vivo que tiene un ánima sugerido por una especie de garras al final de la ola.
misiglo.wordpress.com
Lo que demuestran todas estas interpretaciones, es la elección de un objeto de la naturaleza de manera acertada, tras una meditación de muchos años, representa toda una gama de sentimientos con una fuerza inusitada, tal es lo que el artista buscaba, develar la esencia subyacente en las cosas, aquella esencia que une a lo natural con el hombre, con su esencia misma.
sábado, 2 de abril de 2011
Joseph Beuys "cada hombre es un artista"
Fotografía: Mónica Márquez. 2011.
Joseph Beuys, es quizá uno de los agitadores primeros en el arte contemporáneo, él estaba convencido de que cada uno tenía una revolución que producir, en sus palabras cada hombre es un artista. Esta sentencia da cuenta de un giro en el arte, es el paso de la imagen del artista como aquel individuo que posee un don excepcional, a la idea del artista como cualquier persona, capáz de expresar lo que siente a través de ACCIONES artísticas.
Las acciones pasan a ser para Beuys la clave fundamental para situar al nuevo artista. Este tiene el poder porque tiene la capacidad de llevar acciones a partir de las ideas o conceptos que construye en la constante crítica que tenemos de la sociedad y del ser humano. Por otro lado, Beuys presentaría otra faceta del arte muy interesante, poco explorada hasta entonces y es el arte como acto sanador, el arte como sanación, y esto es claramente una reacción de posguerra ante la muerte y la autodestrucción del ser humano, camino que al parecer lo deja vacio y al final sin una esperanza. En este sentido, el arte para Beuys es el camino que permite al hombre sanarse, renacer.
Fotografía: Mónica Márquez. 2011.
Fotografía: Mónica Márquez. 2011.
Por esto podría decirse que fue un ecologista, interesado en las discusiones sobre la agricultura de monocultivo, o también las propuestas sobre urbanismo respecto a otros tipos de transporte público.
Fotografía: Mónica Márquez. 2011.
Ante todo vemos el artista como primera figura, por encima de la obra, lo que no ocurría antes.
Fotografía: Mónica Márquez. 2011.
Esta fotografías fueron tomadas en la exposición del museo de la estampa en ciudad de México, que esta ahora en marzo-abril de 2011. La verdad, nunca hubiera imaginado que en este museo se presentara obra gráfica, recorrer los carteles es una de las formas de recorrer el trabajo de este polifacético artista.
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